Damages: ¡No confíes en nadie!

Reseña y Crítica: The Autist, Manseos. Calificación: 10/10

Cuando un solo episodio es suficiente para valorar una serie, estamos seguros de encontrarnos gratamente frente a un producto de altísima calidad y 100% recomendable. “Get me a lawyer” es el piloto con el que inicia este magnífico drama de intriga legal, marcado por el suspenso, la tensión y un poderoso trabajo argumental, concebido para una total de tres temporadas con 13 capítulos cada una.

Sinopsis
Luego de ser declarado “no culpable” en un juicio público, Arthur Frobisher se enfrenta a una segunda demanda, ahora civil, tras ser acusado de engañar a sus empleados quienes alegan haber adquirido acciones de su empresa y que luego éste vendió a un tercer corredor, dejándolos a ellos sin un solo centavo y desconociendo su participación en la sociedad. En esta ocasión la oficina de abogados Hewes & Asociados, con su propietaria y presidenta a la cabeza, la notable y brillante litigante Patty Hewes, hará frente a la defensa del grupo de demandantes en el caso contra Frobisher.
Ellen Parsons es una recién egresada de la escuela de leyes, inteligente, bella y a punto de comprometerse con su novio de muchos años, el cirujano David Connor, dispuestos a sacar adelante su relación y forjar un futuro promisorio como pareja a partir de sus exitosas profesiones. Graduada con honores, Ellen se convierte en el blanco de prestigiosas firmas de abogados dispuestas a ofrecer un excelente espacio en sus nóminas, a fin de brindarle a ella la posibilidad de superar sus expectativas y desarrollar su evidente potencial como profesional de las leyes; es así como decide declinar la tentadora oferta por parte de Hollies Nye y tomar la vacante que le ofrece la famosa Patty Hewes, no sin antes ser advertida por Nye que su decisión no es la correcta, ya que Hewes no es el tipo de personas que ofrece un oportunidad sin sacar provecho de ello. Ellen no tardará en darse cuenta de esto, pero para entonces será demasiado tarde.

FX produce esta espléndida serie que durante su primera temporada cautivó sobradamente a la crítica y el público de todo el mundo, por su complejidad argumental, su acertada estructura narrativa y un elenco de grandes actores.

Es difícil encontrar en el panorama nacional o internacional televisivo (incluso cinematográfico), un producto de esta envergadura en la que todos los elementos se unen de manera brillante. Cada capítulo es una pieza suelta y necesaria para construir el puzzle que poco a poco se va narrando, y en el que todos los elementos presentes son imprescindibles para llegar al fondo de las intenciones de cada personaje, su razón de ser y el devenir de los acontecimientos que se suscitan semana tras semana. Sin lugar a dudas el mayor de los méritos de esta serie se halla en su guión, un trabajo argumental complejo, in crescendo y en el que se prioriza en todos y cada uno de los elementos presentes en el plano escrito para luego ser llevados a la imagen, enfatizando siempre en aquello que nos servirá como hilo conductor de las historias que se tejen por episodio y que de una u otra manera, se unen con hechos ya narrados o por explorar y que resultan potencialmente necesarios a la hora de dar una vuelta de turca a la trama e inquietarnos. Cada capítulo es presentado en dos líneas temporales: la actual, en la que Ellen es aprehendida por la policía luego de escapar de un edificio y deambular por las calles de Nueva York con la ropa rasgada y llena de sangre. Consternada y en completo shock es interrogada sin éxito por los agentes que la retienen, quienes descubren entre sus pertenencias la tarjeta profesional de Hollies Nye, con una sugerente y extraña nota en su reverso. “Consígame un abogado” es todo lo que se limita a decir Ellen, mientras que los agentes empiezan a realizar su labor investigativa y nos conducen por un camino de misterio y tensión que no aguardará en ir develándonos impactantes y sorprendentes acontecimientos. La otra línea, es la que nos remonta seis meses atrás y en la que se nos presenta la forma como Ellen es reclutada por Hewes & Asociados, el desarrollo del caso que dirigen contra Frobisher y como el mundo de todos y cada uno de los personajes de esta historia, son conducidos por los senderos que la implacable Patty les designa a fin de ganar el litigio a como de lugar, sin importar los medios o métodos que tenga que utilizar para ello. Y es precisamente este magnífico personaje, el que ha conseguido calar en lo más alto del gusto de la audiencia: un ser frío, calculador, despiadado y carente de toda moral o sentimientos que le puedan quebrantar impidiéndole seguir adelante cuando se ha trazado una meta, a la que llegará por más difícil que sea el camino. Una labor histriónica desarrollada con convicción, con fuerza interpretativa, sutileza y total entrega; demostrando así que su presencia es demoledora y soberbia en la pequeña o la gran pantalla, Glenn Close bordea el personaje con la naturalidad y destreza que solo la experiencia y el oficio brindan, dando vida a un ser en el que no se puede ver reflejada a otra actriz que no sea ella.

Por esa misma línea de sublimes interpretaciones transita el elenco, compuesto de manera acertada por jóvenes y veteranas figuras de la actuación, que nos brindan personajes de primera calidad, sostenido por un excelente trabajo realizado inicialmente en el papel y finalmente desarrollado en conjunto por los actores y la excelsa dirección. Rose Byrne (Ellen Parson), brinda frescura y elegancia, encarnando a una persona inocente pero con carácter, inteligente y honesta, llena de ambiciones y convencida de ver en su mentora una imagen de ese ser al que aspira a convertirse, exitosa y brillante, desconociendo las oscuras intenciones de Patty. Ted Danson da vida a Arthur Frobisher y construye un personaje arrogante, todo un magnate playboy lleno de secretos y oscuras intenciones, de doble moral, sumido en su problemática financiera y legal, a la vez que se debate entre las delicadas relaciones que mantiene con su familia, la única posibilidad de mostrarse ante el mundo como un ser honesto y respetable. En el fondo es muy parecido a Patty, siempre dispuesto a ser cualquier cosa por alcanzar sus propósitos. Zeljko Ivanek, Tate Donovan, Noah Bean, Anastasia Griffith y Peter Facinelli, entre otros complementan la nutrida y espectacular nómina de grandes actores sumados a este proyecto.
En el aspecto técnico la labor es igualmente sobresaliente: los equipos de producción, arte y vestuario, diseñan y nos brindan un montaje sobrio, elegante e idóneo a la hora de caracterizar ese ambiente legal, “correcto”, ambivalente, confuso y elitista en el que se mueven los personajes, creando una paradoja evidente entre la opulencia y exquisitez del gremio al que pertenecen y sus aristocráticas familias, contrastado con la oscuridad de sus intenciones y las bajezas a las que se degradan con tal de alcanzar sus metas. En este mismo tono se manejan la iluminación y fotografía, haciendo evidente una marcada diferencia entre las dos líneas temporales: los acontecimientos sucedidos seis meses atrás son tratados a partir tonos fríos, donde abundan los grises y azules, contrapuestos a la dualidad de intenciones en cada personaje y representados a partir de los omnipresentes blanco y negro, necesarios a la vez para reflejar ese toque de distinción, sobriedad y elegancia que les caracteriza, donde cada plano es amplio y abierto, buscando abarcar un todo y jugando a la vez con marcados y lentos movimientos de cámara que nos conducen al interior de cada situación, elemento o personaje en escena.
Por otro lado, la línea actual es bañada por tonos más fuertes y oscuros donde abundan los rojos y amarillos, reflejo evidente de esa necesaria búsqueda de claridad, de salidas ocultas, de información; la imagen es sucia, densa y pesada, es la perfecta muestra de ese desenlace turbio al que llegará la historia, donde los personajes se dejarán atrapar por reacciones más viscerales que meditadas, presas de decisiones erradas y carentes de toda moral o escrúpulos, donde ya el interés dejará de volcarse en situaciones externas para concentrarse necesariamente en ellos y sus mundos internos, para ello la cámara nuevamente es utilizada a partir de encuadres más cerrados, enfatizando en detalles que nos aclaran lo sucedido y conectan directamente con el pasado, movimientos más inestables, rápidos cambios de plano y edición cortante. El sonido es exquisititamente elaborado a partir temas clásicos que componen su banda sonora casi imperceptible y los prolongados silencios, catalizadores y generadores de una abrumadora tensión que permite el lucimiento del elenco en momentos de contención, duda o suspenso. Basta decir que es Damages es una serie que garantiza un serio y profundo espacio en el que nos hará contener la respiración, vibrar con sus personajes y sorprendernos con una historia magistralmente construida, llena de arcos y giros argumentales suficientes para garantizar nuestra atención. Sendos estatuillas y nominaciones a prestigiosos premios respaldan y enfatizan una calidad que no necesita de mayores reconocimientos para demostrar su altísimo nivel de producción. Logros alcanzados: Globo de Oro a la Mejor Actriz en Serie Dramática (Glenn Close, 2008), Premio Internacional a Mejor Actriz en Serie entregado por el Instituto Fílmico de Australia (Rose Byrne, 2008); catalogada por numerosas publicaciones y críticos del mundo como una de las mejores series del 2007. Nominada a los Premios Emmy 2008, que serán entregados el próximo 21 de Septiembre, en las siguientes categorías: Mejor Serie Dramática, Mejor Casting para Serie Dramática, Mejor Dirección para Serie Dramática (Alan Couter, por el episodio piloto “Get me a Lawyer”), Mejor Actriz en Serie Dramática (Glenn Close), Mejor Actor de Reparto en Serie Dramática (por partida doble, Ted Danson y Zeljko Ivanek), Mejor Guión para Serie Dramática (Todd A. Kessler, Glenn Kessler y Daniel Zelman, por el episodio piloto “Get me a Lawyer”), entre otras.

Ficha Técnica:
Título: Damages
Drama Legal
Creador por: Todd A. Kessler, Glenn Kessler, Daniel Zelman.
Elenco: Glenn Close (Patty Hewes), Rose Byrne (Ellen Parson), Ted Danson (Arthur Frobisher), Zeljko Ivanek (Ray Fiske), Tate Donovan (Tom Shayes), Noah Bean (David Connor), Anastasia Griffith (Katie Connor), Peter Facinelli (Gregory Malina).
Duración: 43 min. Aprox.
Temporadas: 1 (13 Episodios). La temporada 2 se estrena en Enero de 2009 a través de FX.
Transmite en Colombia: AXN (a través de señal por cable). Martes 8pm. Actualmente retransmite la 1ª. Temporada.

Lost: ¿Qué tan perdidos estamos?

Artículo por: The Autism, Manseos

Siempre he apostado por la parte dramática de esta historia, aquella que rescata de la acción que se suscita con cada hecho dentro de la isla, o del suspenso presente en cada acontecimiento inexplicable o de los cuestionamientos que puedan surgir a partir del tono sci-fi que actualmente se dibuja en su trama, ese elemento humano implícito en ella y en las emociones que emana cada personaje: dudas, frustraciones, acertados y errados comportamientos, indecisiones, verdades y mentiras, sus realidades y también las farsas que pretenden mantener. Lost es una serie de carne y hueso, con alma propia, construida a partir de los seres que convergen en ella y que semana tras semana a lo largo de cuatro temporadas (2004-2008), han logrado calar muy alto en nuestra cotidianidad.

El 22 de Septiembre de 2004 el vuelo 815 de Oceanic Airlines, que viajaba de Sydney a Los Ángeles, desapareció misteriosamente de los radares en algún punto del pacífico. Un violento accidente permitió, contrario a lo que se pudiera imaginar, traer a la vida a un grupo de sobrevivientes que milagrosamente naufragó en una isla aparentemente desierta, obligándolos a conocerse y cimentar las bases de una sólida sociedad que les permitiera apoyarse y subsistir en medio de terrenos desconocidos y llenos de misterios, magistralmente representados en la mística porción de tierra que ahora los alberga.

Los creadores de este suceso televisivo han ido más allá al dotar a este polémico lugar de un nombre igualmente lleno de ese halo de incertidumbre y desconcertante: Herbert Jablonski, ser del que jamás hemos tenido referencia alguna dentro de la vasta mitología de la serie. Estos últimos años han marcado el nacimiento de un hito de la televisión mundial, una serie de culto capaz de cautivarnos y envolvernos en su desarrollo, creando polémica y generando debates existencialista siempre marcados por el choque entre ciencia y fe al tratar de explicar el devenir humano y su entorno; se ha convertido de paso en motivo de estudio no solo para quienes participan y dependen de este oficio, sino como fuente potencializadora de tratados sobre la moral, la ética, la filosofía y el comportamiento del hombre al construir una sociedad y hacerse participe dentro de ella, regalándonos magistrales cátedras de sociología y psicología. Hemos visto a seres humanos reaccionar ante estímulos físicos y emocionales, propios de su mundo personal y de la realidad actual a la que ahora pertenecen. Conocemos parte de sus pasados y sabemos que en este se halla seguramente el motivo que los condujo a tomar este fatídico vuelo, y que como reza el gran Jhon Locke, no es producto de una casualidad o coincidencia; de paso, entendemos que en sus historias previas se halla el catalizador del explosivo y enigmático presente que construyen juntos y que además, sus decisiones y actos actuales influyen exponencialmente en el futuro que sin saber, también podrían llegar a compartir en algún momento de sus existencias.

Para quienes no han tenido la oportunidad de conocer hasta ahora este magnífica serie, este video revive en 8’15’’ los hechos y personajes más trascendentales de las primeras 3 temporadas. El pasado 29 de Mayo ABC emitió There’s No Place Like Home Partes I, II y III, como cierre de la 4 temporada en Estados Unidos, mismos que fueron vistos en Colombia a través de la señal de AXN a principios del mes de Julio y que actualmente es repetida los Lunes a las 7 pm.

Video alojado en You Tube

Actualización: Actualmente AXN (solo disponible a través de señal de cable) transmite la serie completa, desde el primer episodio de la primera temporada ("Pilot"), de Lunes a Viernes a las 6 pm (18:00).

Eternal Sunshine of the Spotless Mind: Travesía surrealista a través de la mente humana

Reseña y Crítica: The Autist, Manseos. Calificación: 8.2/10.

Jim Carrey y Kate Winslet protagonizan este rompecabezas mental – construido a partir del guión de Charlie Kaufman basado en una historia de su autoría en conjunto con el director Michael Gondry y Pierre Bismuth –, y que a través de un ágil ritmo, arriesgada edición y exquisito lenguaje audiovisual, nos narra a partir de metáforas, alegorías y detalles de precisión técnica como la iluminación, música, arte, encuadre y montaje escénico, la historia de un hombre que pretende borrar de su memoria uno de sus recuerdos más próximos.

Joel es un hombre que una día cualquiera despierta ante su rutinaria vida, misma que seguramente transcurre encerrado entre las cuatro paredes de su apartamento y las de su lugar de trabajo, y digo seguramente por que es evidente que en esta historia no nos incumbe conocer más allá de lo que por decisión acertada del guionista se nos presenta a lo largo de sus 108 minutos de metraje, por que la idea es llevarnos de la mano a través del viaje mental que Joel emprende y del que nos haremos su cómplice, confidente y testigo de emociones.

Así empieza esta travesía surrealista, con el enfoque de una cámara por momentos inquieta, sobre todo en presencia de Joel, un ser introvertido, tímido, silente, algo parco y muy dado a pensar para sí mismo y el espectador – detalle bastante real, pues divaga entre lo que le sucede en el momento que se detiene a reflexionar, y aspectos que no vienen al caso pero que nos sirven para crear una imagen más amplia de su personalidad –.

Preparado para su jornada y a punto de partir a cumplir con sus deberes laborales (¿?), descubre un golpe bastante fuerte en una de las puertas de su auto, deja una nota de agradecimiento – irónico, por supuesto – en el carro parqueado junto al suyo, y emprende su viaje hasta la estación de trenes; ya en ella, decide en un momento de rebeldía y al parecer por un pensamiento extraviado que llega a su mente, tomar un tren hacia otro destino distinto y de este modo realiza un recorrido que parece involuntario y por el cual no halla explicación alguna, incluso reprocha su decisión al no haberse detenido a pensar en las condiciones climáticas del lugar en el que ahora se encuentra y el mayúsculo aburrimiento en que se halla sin nada que hacer. Pero en su camino se encontrará con una mujer, bastante llamativa, a la que sin querer seguirá, evitando por supuesto que ella lo note. Desconfiada y atenta al extraño que la vigila, la dama continuará su rumbo sin desviarse – si es que tiene alguno o acaso no se encuentra tan perdida como él –, hasta decidirse a saludarlo en la corta distancia de la estación ya tomando el tren de regreso y posteriormente en el vagón que viajan. Así conocemos a Clementine, una chica irreverente, evidentemente mayor a lo que aparenta, locuaz – lo suficiente para hablar por ambos –, excéntrica, divertida y espontánea; todo lo opuesto a lo que él representa. Una atípica relación inicia entre ambos, casi profetizada por ella, y así transcurre cierto tiempo hasta que un día Joel decide visitarla en la biblioteca donde ella trabaja y esta parece no reconocerlo, incluso observa como socializa íntimamente con un desconocido; luego descubrirá, a partir de una nota del laboratorio experimental Lacuna Inc., que ClementineClementine solicitó que le aplicaran un procedimiento que le permitiera borrar a Joel de su memoria, ya que su actitud pasiva y poco optimista la estaba contagiando; entonces el desesperado hombre decide aplicar el mismo procedimiento en su mente, sin medir consecuencias.

Los recursos propios de este arte son puestos a disposición de la creación de los personajes, con la aparición de una música caricaturesca y bastante pintoresca, en momentos que ella interviene o la cámara la enfoca, dejando a Joel los silencios representativos de su carácter; la iluminación se convierte en catalizador de sus emociones y presencia, a partir de un mínimo de sobreexposición buscando la saturación de los colores, y logrando con ello mayor brillo en los tonos claros y densa oscuridad en colores opacos, modelando así las evidentes diferencias que los complementan como pareja, esta atmósfera logra mimetizarlo a él con el entorno, pareciendo por momentos parte del decorado o de la monotonía del devenir de los hechos, en cambio a ella la resalta, regalándole esa atención que demanda y la alegría que demuestra con cada gesto o línea que nos regala. El trabajo realizado a partir de la profundidad de campo, los desenfoques y movimientos de cámara, desdibujan rostros y detalles en momentos de duda y escepticismo, con el fin de evidenciar más adelante la razón de ser de ellos, necesariamente implícitos en el desarrollo de la trama.

Es grato encontrarse con piezas cinematográficas que utilizan por completo los elementos propios de este oficio y que en conjunto le han valido la acertada acreditación de séptimo arte. Esta película es un gran ejemplo de originalidad, estilo, talento y estructura narrativa. Es un viaje del que somos partícipes por invitación del guión y de la manera como se presentan los planos que simbólicamente, a partir de la magia atípica de su historia nos envuelve y conecta con sus personajes muy bien logrados a partir de sobresalientes actuaciones por parte de un elenco compuesto por rostros reconocidos y de fuerza escénica: Jim Carrey contenido y brindado una muy buena actuación, lejos de los clichés y exageradas interpretaciones a las que nos tiene acostumbrados, y más cercana al drama psicológico que se desata en la vida de su alter ego Joel; Kate Winslet por el contrario nos presenta un personaje folclórico, colorido, excéntrico y lleno de vida, siendo completamente convincente e identificable; Tom Wilkinson nos regala un personaje importante, y se convierte en el catalizador de la parte más compleja de la historia, siempre correcto y brindando fuerza; completan el elenco principal Kirsten Dunst, Mark Ruffalo y Elijah Wood, quienes hacen meritoria su presencia y la razón de ser de sus personajes. Aparentemente el punto en contra de Eternal Sunshine of the Spotless Mind, es lo que en principio se presenta como una complicada trama para quienes no están acostumbrados a digerir una narración para nada lineal y muy atípica, pero que encuentra su punto de apoyo en la clara explicación del experimento que significa el viaje mental que su protagonista emprende y el posterior bombardeo de hechos que se suscitan.

Es una película de detalles sustanciales en su entorno, en sus ambientes y espacios, en la personalidad de los seres que en ella convergen y que necesariamente deben estar interconectados para dar mayor claridad en su desarrollo, meritorio trabajo argumental que le valió el Premio Oscar al Mejor Guión Original (2005), por su complejidad, profundidad y excepcional desarrollo.

Título en Español: Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos o Eterno Resplandor de una Mente Brillante
Director: Michael Gondry
Guión: Charlie Kaufman
Año: 2004

Pushing Daisies: Amor y Muerte con toques de Realismo Mágico

Reseña y Crítica: The Autist, Manseos. Calificación: 8.5/10

Una de las comedias dramáticas más recientes y exitosas del Prime Time norteamericano es Pushing Daisies. Producida por Warner Bros. y emitida a través de la señal de ABC, narra la particular vida de Ned, un joven que posee la misteriosa y peculiar habilidad de quitar y dar vida, con no menos extrañas consecuencias. Un personaje omnisciente y que desconocemos, relata los acontecimientos sucedidos en cada episodio, conociendo de los personaje sus emociones, sensaciones y secretos más íntimos, siendo fácil para el espectador conocer de buena fuente todo lo que encierra el desarrollo de cada capítulo, marcado siempre por el tiempo y la delgada línea que separa la vida y la muerte. Una serie que combina la magia, el misterio y el romance, a partir de su acertada mezcla entre el drama y el humor negro. Su diseño colorido y retro, sumado a la brillante iluminación, arte y vestuario llamativos, y una atmósfera acorde al tono de su texto, generan una impactante fotografía capaz de captar la esencia mágica y onírica de la historia y sus personajes.

Sinopsis:
Mientras disfruta de su niñez jugando junto a su fiel mascota Digby, una colorida mañana primaveral, Ned observa morir a su perro después de ser atropellado por un vehículo en la carretera. Al acudir e intentar socorrer en vano al inocente can, el niño descubre que con un simple toque a un ser muerto, puede regresarlo automáticamente a la vida, pero sin darse cuenta que ese particular don acarrea consigo ciertas reglas y consecuencias igual de extrañas. Es así como más adelante devuelve la vida a su madre quien muere victima de un aneurisma y entonces, un minuto después, el padre de Chuck (su vecina, de quien está profundamente enamorado) muere sin explicación alguna, revelando dramáticamente al niño que el individuo de la misma especie más cercano a aquel que le devuelva la vida, morirá en cuestión de 60 segundos. Devastado, guardará para siempre el secreto de ser el “responsable” de la muerte del padre de la chica que ama, pero todavía una sorpresa más sobre su nueva habilidad le depara el destino y esa misma noche al ir a la cama, su madre lo acompaña y con un beso en la frente, la regresará a los terrenos de la muerte para siempre. De esa forma entendió que un toque devuelve a la vida, un segundo mata de manera definitiva y por último, si ese ser al que resucita no lo vuelve a tocar justo después de transcurrir un minuto, otro morirá logrando así un equilibrio natural.

Huérfano y desolado, Ned es enviado a un internado en donde crece marginado y señalado por los niños como un bicho raro, y quien por obvias razones decide poner distancia con todos para evitar desgracias mayores, a pesar de la discriminación de sus compañeros a quienes de vez en cuando sorprende con extrañas travesuras que nadie descubre. Por su parte, Chuck también huérfana, es acogida por sus tías Lily y Vivian Charles, dos solteronas bastante excéntricas que adoran el queso, participaban en un show de nado sincronizado llamado “Las Chicas Sirenas” y temen salir de su casa; Vivian huye del contacto físico y es una experta taxidermista; Lily por su parte perdió un ojo limpiando la caja de arena de su gato, es psicorígida, de carácter fuerte y esquiva con los demás. Así, Ned y Chuck crecen perdiendo todo contacto sin imaginar la sorpresa que les depara el destino a ambos.

Ahora adulto y en pleno uso de las maravillosas habilidades de pastelero que heredó de su madre, Ned se hace propietario de The Pie Hole, en donde se dedica a preparar exquisitos pies con la ayuda de Olive Snook, la mesera, quien secreta y desesperanzadamente ama al joven. Cuando la pastelería pasaba por un terrible momento económico, el investigador privado Emerson Cod, descubre accidentalmente el don de Ned, proponiéndole entonces una oferta bastante tentadora con la cual pueda sacar adelante su negocio: que Ned resucite a las victimas de asesinatos durante un minuto para preguntarles por sus verdugos, así Emerson resolverá los casos y cobrará las jugosas recompensas que serán divididas equitativamente entre ambos. Un día cualquiera, Ned descubre que la chica a la que amaba desde niño, Chuck, ha muerto a bordo de un barco y en extrañas circunstancias. Decididos a investigar el caso, Ned revive a Chuck y ante el dilema de tenerla de nuevo a su lado o dejarla morir definitivamente, el joven decide no hacer caso del tiempo y el director de la funeraria muere en lugar de ella.

Teniendo en cuenta que el caso de Chuck era conocido por todos debido al cubrimiento de los medios y su vuelta a la vida acarrearía revelar su secreto, Ned propone a la chica que se quede en su casa donde deberá permanecer oculta y por ende encubrir su verdadera identidad. Así, juntos nuevamente, el amor resurge entre ambos aun a pesar de no poder establecer contacto físico y la serie continúa mostrando las relaciones entre sus personajes y explorando el significado de la vida y la muerte.

La primera temporada de Pushing Daisies fue estrenada en Estados Unidos el 3 de Octubre de 2007, misma de la cual se emitieron 9 de los 22 episodios que estaban previstos, debido a la huelga de guionista en Hollywood sucedida entre Noviembre de 2007 y Febrero de 2008. Crítica y público aplaudieron la serie por su aire fresco, irreverente y particular, convirtiéndose así en una de las favoritas del país del norte. En Latinoamérica fue estrenada en Noviembre de 2007 a través de la señal de Warner Channel (WB), emitiéndose todos los jueves en el prime time con gran aceptación. El pasado 17 de Julio la serie alcanzó 12 nominaciones a los Premios Emmy 2008, entre las que se destacan a Mejor Dirección en Serie de Comedia (Barry Sonnenfield, por el episodio 1x01 “Pie-lette”), Mejor Guión para Serie de Comedia (Bryan Fuller, por el episodio 1x01 “Pie-lette”), Mejor Actriz de Reparto en Serie de Comedia (Kristin Chenoweth, quien interpreta a Olive) y Mejor Actor Principal en Serie de Comedia (Lee Pace, quien da vida a Ned).

Una excelente propuesta para las noches de los jueves en la que convergen todos los factores necesarios para la presentación de un producto de gran calidad: excelentes interpretaciones, impecable puesta en escena, guión sólido y en continuo ascenso, dirección y producción sobresalientes. Pushing Daisies es una de esas series mágicas capaces de envolvernos en su mundo surrealista y colorido, lleno de personajes atípicos capaces de mandarnos a la cama con una gran sonrisa. Un divertido “cuento de hadas forense”, como describe su narrador, además de una extraña y bella historia de amor, nada convencional.

Ficha Técnica
Título: Pushing Daisies
Comedia Dramática – Fantasía
Creador: Bryan Fuller
Elenco: Lee Pace (Ned), Anna Friel (Charlotte Charles “Chuck”), Chi McBride (Emerson Cod), Jim Dale (Narrador), Ellen Greene (Vivian Charles), Swoosie Kurtz (Lily Charles) y Kristin Chenoweth (Olive Snook).
Duración: 42 min.
Temporadas: 1 (9 Episodios). La temporada 2 se estrena el 1° de Octubre a través de ABC. Transmite en Colombia: Warner Channel (WB, a través de señal por cable). Jueves 8:30 pm.

The Last King of Scotland: Exquisito Ejercicio de Bune Cine de Ficción Documentalista

Reseña y Crítica: The Autist, Manseos. Calificación: 8.5/10

La primera impresión que causa The Last King of Scotland, teniendo en cuenta que su argumento se basa en hechos de la vida real, es la acertada sensación de encontrarnos ante una pieza documental muy bien lograda y si nos remitimos a la filmografía de su director Kevin Macdonald, ganador de un Premio Oscar por el documental One Day in September (1999), no cabe duda que este filme no se aleja del género y es evidente que este sabio enfoque es uno de sus mayores aciertos. Esta es una película independiente realizada a partir de la concepción documentalista de su director, quien nos presenta un texto real basado en la novela de Giles Foden del mismo título, y que narra el ascenso al poder del Teniente Coronel Idi Amin, quien a través de un golpe de estado asume el poder en Uganda inicialmente de la mano del gobierno británico, y estableciendo posteriormente por iniciativa propia un régimen de terror y política genocida entre 1971 y 1979.

El guión está centrado en un período de la vida del joven escocés Nicholas Garrigan, quien luego de graduarse como médico en su país de origen, decide alejarse de la sombra de su padre, de igual profesión; de los convencionalismos propios de la sociedad aristócrata escocesa; y de la vida rutinaria que seguramente le espera.

De esta forma opta por dejar al azar la selección del paraje al que desea ir a disfrutar de una vida libre, desinhibida y rebelde, pero siempre pensando poner al servicio sus conocimientos y contribuir con el desarrollo del lugar que lo acoja. Su viaje parece en un principio ofrecerle precisamente lo que estaba buscando, pues llega a un país en el que se respiran aires de cambios, alegría y desarrollo; donde se pueden apreciar el colorido y la calidad de su gente, inmersa en la cotidianidad de su mundo, apartados de la civilización pero llenos de infinidad de bondades humanas. Un repentino accidente lo llevará a conocer al recién ascendido – forzosamente, pero a gusto popular – Idi Amin, quien inicialmente desconfiado se deja seducir por el arrogante y osado carácter del joven médico, acertando descubrir a una persona de actitud fuerte y honesta, a quien invitará luego a convertirse en su doctor particular. Es así como Nicholas, llega a los círculos presidenciales y no tardará en convertirse en la persona más cercana y de mayor confianza del presidente, sin imaginar que su aventura profesional lo llevará a caminar por los oscuros tramos de la dictadura y el régimen autoritarista de su jefe, convirtiéndose de paso y sin saberlo, en cómplice de infinidad de crímenes de lesa humanidad que lo sacudirán moralmente.

Y en ese viaje moral nos embarcamos todos los espectadores al descubrir una historia universal, de esas en las que fácilmente se puede reflejar cualquier persona y en el tipo de situaciones a las que se hallaría subyugado cualquier gobierno del mundo y la sociedad que rige, más aun teniendo en cuenta la política mundial actual. Ese es otro de los grandes aciertos de este film, donde la cámara como nuestra mirada, nos permite enfocar detalles casi imperceptibles y que nos ayudan en la conceptualización de cada hecho; en la apreciación de gestos y ademanes de los personajes que nos sumergen en sus universos, logrando con ello descubrir aspectos importantes y trascendentales de su personalidad y que serán claves en el desarrollo de la trama. El guión es exquisitamente visual y de ritmo trepidante en continuo ascenso, y gracias a ello la labor de fotografía es impactante, realista y poderosamente contextualizadora; cada plano es un narrador independiente y lo suficientemente elocuente para contarnos algo, por mínimo que sea, de la historia y sus personajes, pero que además funcionan espléndidamente en conjunto para presentarnos una serie de hechos que como cuenta gotas podrá ir llenando poco a poco hasta desbordar por completo en una demoledora pieza dramática.

El realismo de su historia; lo hechos narrados y personajes presentados de manera creíble y verosímiles; los contrastes entre la opulencia presidencial y sus excentricidades, sumados a la pobreza del pueblo ugandés – no miseria, como suelen presentar a los países africanos -; y la problemática generalizada del gobierno, se unen con fluidez a las aventuras y desventuras de Nicholas, ganando fácilmente la atención del espectador y poniendo ante nuestros ojos una serie de situaciones aparentemente intranscendentes pero cautivantes y catalizadores de la tensión que minuto a minuto aumenta. El otro factor a favor en este filme es su elenco, fresco y de gran calidad actoral, a la cabeza de Forest Whitaker (Oscar al Mejor Actor 2007, por este personaje), quien interpreta de manera magistral y con profunda convicción a Idi Amin, un personaje visceral, fuerte, por momentos demente e incluso simpático, instintivo e inteligente, a la vez ambiguo y carismático; por otro lado, James McAvoy, encargado de dar vida al doctor Nicholas Garrigan, logrando con ello un trabajo impecable, capaz de transmitir acertadamente sus temores, alegrías, triunfos, aventuras y fracasos, ganándose con ello a crítica y público; acompañados de no menos meritorios actores de reparto que realizan una gran labor en escena: Gillian Anderson, Kerry Washington, Simon McBurney, David Oyelowo, entre otros.

Un poderoso thriller de intriga política que ahonda en lo más profundo de las fibras humanas y de manera más que correcta se gana por completo nuestra atención, convirtiéndose en un film acertado, interesante y de revisión necesaria y enriquecedora, como documento real o como argumento de ficción.

Título en Español: El Último Rey de Escocia

Dirección: Kevin Macdonald
Guión: Peter Morgan y Jeremy Brock, basado en la novela homónima de Giles Foden
Año: 2006

Ghost Rider: Una más del montón...

Reseña y Crítica: MANSEOS. Calificación: 3.5/10

Mark Steven Johnson dirige esta cinta basada en el comic de Marvel del mismo título, que narra las peripecias de Johnny Blaze, un egocéntrico e intrépido motociclista que luego de hacer un pacto con el diablo a cambio de salvar a su padre de una enfermedad terminal, cosa con la que su oscuro socio cumple a medias, se convierte en el vigilante nocturno encargado de devolver a todos los demonios que se han escapado del infierno sin autorización del máximo jerarca, sacrificando obviamente la libertad suya y al amor de toda su vida, la bella Roxanne.

Por enésima vez, nos encontramos con la típica película intranscendente y puramente comercial que estigmatiza negativamente el género y siembra dudas al respecto de las adaptaciones de comics en la gran pantalla. Mayor asombro causa el saber que su director estuvo involucrado directamente con las fallidas Daredevil (2003), donde participó como director y guionista al igual que en la cinta referenciada en esta reseña, y Elektra (2005), donde estuvo a cargo del guión; Johnson se limita técnica y creativamente, por tercera vez, al montaje de un film predecible, pretencioso y vacío en todo sentido.

Una historia repetida hasta el cansancio, carente de giros y arcos argumentales de peso capaces de cautivar total o parcialmente la atención del espectador; actuaciones simples y carentes de cualquier emoción con un desencajado, repetitivo e inexpresivo Nicolas Cage; un desaprovechado Peter Fonda, cuyas apariciones en pantalla se limitan a escasos e intrascendentes minutos; y una Eva Mendes decorativa, personaje sin sentido que parece a fuerzas introducido en la trama y quien no registra química alguna con Cage; solo por mencionar a las figuras apreciables dentro de un elenco del que no sale bien librado ninguno de sus integrantes, consecuencia de un guión superficial y carente de profundidad emotiva, de secuencias o escenas que por lo menos nos cautiven y roben nuestra atención por un fugaz instante.

Cero acción, cero suspenso, y cero comedia, algo muy común en este tipo de películas, pero no siempre necesario a mí parecer. En términos de producción, una película que se limita a lo ya presentado en anteriores proyectos de este tipo, tanto en forma como en argumento, que pretende dar vida a unos personajes acartonados y sin relevancia, puesto al servicio de un filme que ni medianamente alcanza a entretener.

Sin ambientes o atmósferas que por lo menos denoten la presencia de un sello característico de autor, evidentemente ausente, o de género; sin conceptos de arte o fotografía absolutamente narrativas, e iluminación capaz de generar sensaciones que parecen haber huido por voluntad propia de este despropósito de película; y en cuanto a efectos especiales… es mejor no seguir. De puesta en escena sencilla, simple y correctamente, mediocre.

Título en Español: El Vengador Fantasma
Guión y Dirección: Mark Steven Johnson. Basado en un personaje de Marel Comics.
Año: 2007

Moulin Rouge: Spectacular! Spectacular!

Reseña y Crítica: MANSEOS. Calificación: 9.5/10

Baz Lurhmann incorpora a la filmografía contemporánea una pieza necesaria y refrescante; 2001 representa el regreso definitivo e impetuoso del género musical a la gran pantalla a partir de la concepción y montaje de un excelente film: Moulin Rouge! Este famoso cabaret parisino sirve de escenario para el desarrollo de la trágica historia de amor entre un humilde escritor lleno de inocentes sueños y anhelos de superación, y una hermosa y deseada cortesana que aspira a convertirse en una respetada actriz consciente de saber que para ello deberá vender su cuerpo al mejor postor, este último un irascible y ambicioso inversionista.

A partir de un confuso incidente, las vidas de Christian y Satine se unen inesperadamente resultando en un impetuoso e inmediato enamoramiento, producto de las frases poéticas que él cantará para ella a solas, al momento de presentar a Satine la obra con la cual debutará y se convertirá finalmente en una gran actriz, creyendo ella que su entrevista es con el adinerado inversionista y no con el novel e inexperto escritor. Con la sencilla y efectiva premisa de la lucha por el amor imposible, argumento universal bastante trillado, evoluciona esta historia que sin embargo no tarda en atraparnos desde el primer instante a través de su secuencia de créditos de apertura y el recuento de un final devastador que pondrá en perspectiva la fatal historia que nos será narrada.

La película cuenta con muchos aspectos a su favor y que la enaltecen a lo largo de todo el metraje; dos horas de derroche visual, talento actoral, acertadas secuencias musicales y un guión consistente en constante crecimiento. La línea narrativa nos permite identificar y conocer a los personajes, hechos y emociones que envuelven la historia y que de manera ágil, se presentan ante el espectador a partir de piezas hilarantes y excéntricas que nos ubican en el montaje de una tragicomedia desarrollada al más puro estilo de los sitcoms norteamericanos; pero a medida que transcurre el film, los personajes y situaciones se tornan densos hasta desembocar en una poderosa pieza dramática cargada de una demoledora emotividad y profundas interpretaciones.
Es apenas lógico imaginar que la música sea el hilo conductor de esta historia y sin lugar a dudas es el mayor de los aciertos, pues concebir Moulin Rouge sin el ingrediente musical le habría restado fuerza e impacto a la trama. El arte y la cultura pop contemporánea se fusionan con las ideas bohemias del París de principios del siglo XX, para dar vida a una banda sonora llena de ímpetu, colorido y lirismo mágico.

Temas clásicos del período comprendido entre los 60’s y 90’s son expuestos a partir de mezclas con el jazz, el tango, el pop y acertados arreglos entre el rock y algunas tonadas electrónicas que en conjunto recrean una pieza musical poderosa que atrapa de principio a fin.
La labor técnica realizada en la puesta en escena resulta impecable: arte y diseños de producción exquisitos, coloridos y que nos sumergen completamente en la historia y la época en que se desarrolla; a través del vestuario, maquillaje y peinados nos muestran las marcadas diferencias entre clases sociales, culturales, ideológicas y emocionales; la edición, fotografía e iluminación concebidas en conjunto y puestas en absoluta disposición del film para contar la historia a partir de la atmósfera, el ritmo, la cadencia y elocuencia poderosamente logradas en cada plano, capaces de narrar con cada secuencia, ubicar en contexto y atrapar por completo al espectador.

El elenco realiza un excelente trabajo a partir de su talento actoral y vocal, construyendo excelentes personajes de gran carisma, excentricismo y profundidad humana. Una espléndida Nicole Kidman que demostró su calidad histriónica a partir de los matices que Satine le permitió explorar y en los que supo ahondar con fuerza y credibilidad; Ewan McGegor derrocha talento en cada escena y bordea con convicción a un Christian entrañable y sufrido; Jhon Leguizamo, Jim Broadbent y Richard Roxburg, actores que dan peso y secundan a los protagonistas, sosteniendo conjuntamente un producto del que salen airosos y demostrando una gran presencia escénica.

Por último, la particular visión teatral del director completan en su totalidad la espectacularidad de la película que construye por actos, tal y como en la historia se diseña la obra con la que Satine realizará su sueño de actriz y Christian de convertirse en escritor, dando rienda suelta a los sentimientos y un sin fin de emociones magistralmente enmarcadas con el sello Lurhman, quien dota la cinta de un aire mágico, sublime, sensible y profundamente onírico.

Una historia que habla sobre la verdad, la belleza, la libertad, pero sobre todo… del amor.
The show must go on… claro está, tomando en cuenta una película como ésta. Magistral. Excelente. Soberbia.

Título en Español: Moulin Rouge: Amor en Rojo
Dirección: Baz Luhrmann
Guión: Baz Lurhmann y Craigh Pearce
Año: 2001

The Dark Knight: Complejidad Cinematográfica y Emocional

Reseña y Crítica: MANSEOS. Calificación: 10/10

La vulnerabilidad del ser humano magistralmente tratada a lo largo de la que para mi sin duda alguna es hasta ahora la mejor película del año, un clásico dentro de su género y uno de los más grandes filmes de todos los tiempos; diametralmente distante a lo que hemos estado acostumbrados a ver en cuanto a adaptaciones de comics en la gran pantalla se refiere, y que es logrado a partir del acertado cambio en forma y fondo de su predecesora Batman Begins, el punto de partida de un espectáculo audiovisual y filosófico soberbiamente estructurado a lo largo de las casi tres horas de duración de esta magnifica secuela.

The Dark Knight es un espléndido tratado a la moral, a las dualidades que convergen en la mente humana; a los cánones impuestos de aquello clasificado entre el bien y el mal; a lo difícil que resulta crear reglas y lo fáciles que pueden llegar a ser quebradas; a la redención y el sacrificio; pero sobre todo a lo pequeños que somos a partir de lo compleja, oscura, caótica y subestimada que llega a ser nuestra mente al enfrentarse al miedo.

Es de agradecer que frente a este proyecto se haya colocado uno de los directores más atípicos y complejos de los últimos años: Christopher Nolan, quien no solo conduce de manera inteligente y une cada una de las piezas que conforman esta épica humana, sino que también construye junto a su hermano Jonathan Nolan y el también escritor David Goyer, un guión sólido, constante, de excelente ritmo y profundos diálogos. A partir de esta base se da inicio a una frenética y asfixiante sucesión de hechos que mantienen en expectativa y total suspenso a quien se sumerge en el caos que reina en una ciudad Gótica distinta a la que en versiones anteriores conocimos, pero que se aproxima más a la realidad de cualquier calle del mundo con la cual podamos identificar estas situaciones.
Más que presentar la lucha entre un héroe y los villanos que pueda encontrar a su paso, esta película desarrolla las luchas internas de cada personaje y su postura ideológica, sus principios, más alejada de las páginas de un comic y cercana indistintamente a cualquier tipo de persona dentro de la universalidad humana.

Otro de sus grandes aciertos, y en este mismo apartado, reconocer la espléndida labor de casting realizada por el equipo de producción, al nutrirse de un elenco a la altura de las expectativas: Christian Bale, dueño y señor de un personaje ambiguo, dual, lleno de ira y coraje, violento y sensible, más cercano al hombre que al animal con el que infunde miedo y del que en un principio rescató todo lo necesario para convertirse en el ser que es ahora; Michael Caine, Morgan Freeman y Gary Oldman, secundarios de primer nivel, regresan como los personajes que acompañan y secundan a Bruce Wayne/Batman, como parte de ese yo interno que busca orientarlo en medio del caos que reina en su vida y en su entorno, rescatando lo mejor de si mismo y ayudándolo a soportar el peso de la responsabilidad que acarrean cada una de sus decisiones y actos; y caras nuevas que cumplen a cabalidad con sus personajes y dan la talla en medio de tan grandes figuras: Maggie Gyllenhall, quien reemplaza a Katie Holmes, al interpretar a Rachel Dawes; y Aaorn Eckhart, quien desarrolla espléndidamente y va de menos a más en su transformación del Fiscal de Distrito Harvey Dent hasta convertirse en Two Faces.

Pero sin lugar a dudas y merecedor de una mención especial, quien se roba el show por completo es el desaparecido Heath Ledger, quien nos presenta un personaje anárquico, violento, caótico, profundamente perturbado, pero paradójicamente dueño de la mente más brillante que se lleva con honores el film: The Joker. El australiano demostró, con este su último trabajo actoral completo, su fuerza y gran capacidad histriónica, creando de manera brillante un personaje frío, metódico, lleno de detalles de precisión física que lo definen por completo: su mirada, la posición de su cuerpo, peinado y maquillaje, gestos y ademanes (vale la pena ver la versión original, para contemplar por completo la caracterización a partir del trabajo realizado con su voz y risa), sembrando con ello el terror a su paso y manteniendo en completa tensión al espectador. Lástima su pronta partida, sin embargo se despide como los grandes y es de agradecer al oficio este impecable personaje que pasará a la historia como uno de los mejores villanos del cine.

Atención a un posible Oscar póstumo (sin lugar a dudas merecido). Entrando en estos terrenos de reconocimiento no sería extraño que desde ya se escuche este título dentro del selecto grupo de cinco finalista a optar por la estatuilla dorada a mejor película del año, así como en los apartados de actor de reparto (Heath Ledger, Gary Oldman y/o Aaron Eckhart, serían acertadísimos aunque es muy pronto para un juicio certero), dirección, guión adaptado, efectos especiales, edición, sonido y banda sonora (magistral esta última, creación de Hans Zimmer y James Newton Howard). Repasados los aspectos anteriores basta decir que The Dark Knight, hace historia en taquillas y pasará a convertirse en uno de los más grandes referentes cinematográficos de todos los tiempos.

Soberbia. Excelsa. Magistral. Excelente.

Título en Español: El Caballero de la Noche
Dirección: Christopher Nolan
Guión: Christopher Nolan y Jonathan Nolan, basados en un argumento de David S. Goyer.
Año: 2008